□蔡攀/文
古画临摹是工笔画学习的重要途径，本文以绢本为例，对古画临摹的目的、步骤和常见问题做出介绍与分析，让学生明白古画临摹在工笔画学习中的重要性，同时解决学生在临摹过程中常见的问题。
对古代经典作品的临摹一直是工笔画教学的重要课程。中国传统工笔画，最早（有考古发现的）可以追溯到春秋战国时期的帛画，经各朝各代的发展完善，至唐宋达到顶峰，形成一整套完备的程序：造型、用线、设色以及材料的制作与运用，有章可循，是工笔画的本源所在。因此，古画临摹是工笔画学习的重要途径。
1.1 掌握一套扎实的作画程序
工笔画讲究作画程序：勾线设色、材料制作、作画步骤都有严格的要求，这也是工笔画长期被人诟病的原因。
强调制作性的“工”就是我们今天说的“程序”，这套程序历经千百年的实践被确定下来，是最好的表现方式。通过临摹古代经典，了解并理解其中的奥妙，继承前人的绘画经验。严格地说，没有临摹的过程，很难真正进入工笔画领域。
1.2 掌握造型规律、勾线与设色方法
由于文化、审美与观察方法的差异，中国画与西画在造型上区别极大。传统中国画具平面性和感性特征，区别于西画的写实与理性。今天的学生在进校前几乎全盘接受过西方艺术教育体系，需借助古画临摹了解和欣赏中国传统绘画造型规律。
线是工笔画乃至整个中国画的精髓，是画之骨。传统工笔画对线有严格的要求并形成典型样式：“十八描”[1]归纳总结了传统工笔画中最具代表性的线条，作为基本程式用于传授线描技法，它们各具神采。学生通过临摹训练，内化成为自己的表达并在创作运用。
工笔画有一整套独特的设色技法：分染、罩染、衬色、提染各司其职，解决了画面色彩的问题。学生通过西画体系进入大学，对中国画色彩观念的理解有失偏颇。加上中国画史在元以后因“高人逸士”的水墨画大行，导致工笔重彩的没落，使中国画丧失了对色彩的应用。学生通过对古代工笔画经典的准确临摹，重拾记忆。
1.3 理解古代绘画的格调和品位
中国古代绘画的格调和品位与西画相去甚远，西画起于科学、通于雕塑与建筑；
中国画背后是道家，基础在书法。两种绘画在空间的表现上也不一样，学生需要在反复的赏析和练习中去揣摩：造型上的写意性、似与不似的生动性；
色彩平铺叠加后的微妙变化；
理解对微妙的追求达到偏执的境地，才能真正理解工笔画的精髓。罗寒蕾曾说起学生时代临《韩熙载夜宴图》的心得：“慨叹传统设色技巧之高明……是‘薄中见厚’的最佳典范。”
2.1 修正底稿
在临摹的课程中，底稿最难引起重视，大部分学生直接将绢覆盖在原画图片或出版社提供的白描图上勾线，将主动理解线条的过程省掉了。
古画因为年代久远或局部被颜色覆盖，线条变得模糊不清。如果不认真读画和分析线条，会使线条因随意而缺乏骨力和关系模糊，画面没有精气神、空间关系混乱无序。
因此，为了深刻理解古画用线的内涵和对空间的表达，一定要重新绘制底稿，对着原画仔细修正线条：理顺关系、明白用法、理解提顿对形体的塑造、线与线之间的气韵连接、线条深浅规律等。在正式上绢之前，做到胸有成竹。
线稿出彩，才能为整张画的精气神打下秩序与气韵的基础。
2.2 勾线
工笔画中称线为“命线”，是整张画的立命之本，是核心，关系到一张画的成败。谢赫“六法”中有两法是针对线提出的：气韵生动、骨法用笔。既要有骨力还要有气韵，是能传神的部分。
从局部看线条是笔与笔之间的联系、从整体上看是画的走向、气势和节奏。工笔画勾线的核心是中锋用笔，“白描线条如绷紧的弓弦，均匀而有张力，力透纸背。”再由此发展出侧锋、逆锋、颤笔等运笔变化。
勾线有先后：先前再后，节奏有序、气韵相连。
工笔画的线条讲究平、匀、文气、不骄不躁。略略带一点飞白的线条有空灵、沧桑的味道，还带有点圆润的空间感。
在绢上勾线还有自己的特点：绢面较光，墨汁太多会打滑，线条显得肉；
绢由经纬网络构成，腕力不够或运笔不平稳，笔尖容易被经纬线形成的缝隙卡住，线条不流畅。需要学生在临摹前反复练习，习惯绢的特点。
中国古代画家创造出丰富多彩的线描程式，体现出来的是别具神采的观察力和想象力。好的线条不只表现线条自身的好坏，它还能将原画的精神通过线条反映出来：李公麟作品《维摩演教图》，人物衣纹如行云流水，墨色浓淡有序，使画中人物风采圣洁出尘。
2.3 做底色
古画底色一般是用赭石、藤黄、花青、胭脂等加水调制。但不同的人有不同的偏好，可自己尝试。
底色从绢的背面整体刷一层或几层，达到自己需要的颜色即可。
2.4 染色
染色是工笔画的另一重要内容。有一整套程序和方法：分染、晕染、罩染、衬色、提染。看似套路，其实很难，难在如何掌握“度”：颜色调制的程度？染的部位？染到什么程度？分几遍染成？都需要在临摹的过程中积累经验。在绢上作画需要正反两面同时进行，在哪一面染需要斟酌。空绷与托裱出来的效果有很大的差别，画到什么程度停笔？画过了显得俗气、死板；
画得不够又显得薄气没精神，都需要经验判断。
如图《果熟来禽图》所示：画家用墨、色反复分染、晕染和罩染还有托染过，正反配合、关系恰到好处，整张画颜色厚实逼真，绢面上纹理清晰通透，画面和谐。
2.5 调整
做完以上步骤后，整张画的大关系以及主要内容就完成大部分了。但是，画面上多少会存在问题，需要做调整。
复勾，能将线条醒出来。最初勾的线条，经过底色的罩染和多次染色后，墨色深浅显得不够了，被颜色压住的地方变得模糊不清，需要复勾醒线。复勾不一定按照原有的线条一成不变，可以轻松一点：有的地方勾，有的地方不勾；
新旧线条有些出入也没有关系，自然、通透、生动地表现就很好。不一定都用墨色，可根据不同部位，加一点颜色在墨里，更符合需要。复勾之后，画面会变得精神。
一张画涉及的细节很多，虽然严格按照步骤进行，难免在“度”的掌握上有失偏颇，需通过调整纠偏；
也有技法的缺失导致的问题。提供几个常用小技巧给大家：深色的头发不够黑怎么办？用松烟墨罩染一遍就会变得乌黑；
用花青罩染能产生冷艳的效果；
其他方法比如用象牙黑、用焖烧的灯芯草灰调胶上色，可以得到毛茸茸的黑色。
技法需要通过尝试去积累，绘画的过程就是一个学习、尝试、积累、运用的过程。
在临摹古代工笔人物画时，开脸应该放在最后来进行，即所谓的“画龙点睛”。眼鼻嘴面积虽小作用却大，必须用最精道的功夫去表现。五官显现时，人的性格与喜怒哀乐便跃然纸上。开脸的好坏同样决定整张画的成败。
宋·林椿《果熟来禽图》
3.1 临摹前准备工作不够
前面讲了，工笔画讲究平整、匀净、文气、有秩序，临摹前必须做到心中有数，把需要的材料准备齐全。
开始勾线前，应准备两份线描件，一份用于勾线拷贝，一份用于观看借鉴。
落墨前考虑好布色：同一结构的地方墨色深浅要一致，因此需要根据用墨多少备足墨汁。初学的同学随意性大，常常画到中途没墨了，再调的墨色便不一致了，画完一看，深浅无序，画面气息混乱。
绢做旧这一步会影响线条的深浅程度，如果中途洗绢，墨色会变浅，深浅程度更加不够；
如果做完底色再勾线，又影响绢的透明度，看不清底稿，影响勾线质量。所以这两个步骤的关系要想好，一般有两种处理方式：第一是先勾线，干后在绢上刷一层轻胶矾水，把线定住，再做底色，这样就洗不掉墨色；
第二可以先做一层淡底色然后勾线，既不影响透明度，又容易调整墨色的深浅。
墨的质量很关键。不好的墨胶性大，糊在笔上不流动；
画作品用的成墨如玄明一类可以用，但需过滤一下，把墨表面浮色去掉；
最好用的还是现磨的墨，民国以前的老墨块，研出来的墨又黑又不腻。研好的墨注意盖好。
3.2 勾线时调整好心态
多数学生平时练习勾线相当不错，一旦正式上绢，便紧张得手脚发颤不听使唤。勾不出好的线稿，整张画想成功成了空谈。因此调整好心态，是完成好临摹作业的第一步。（1）平心静气，吐纳自然；
（2）握笔时指实掌虚，力贯笔锋；
（3）意在笔先，胸有成竹。
3.3 对花纹不重视
花纹是人物衣服上的装饰，常常被轻视，随意应付，结果因小失大。临摹古典人物画时需要细心将衣服上繁杂的花纹单独整理出来，等衣服的大线条出来之后再加进去，不能因为这些琐碎细小的纹饰影响了衣纹的气韵。
花纹依附在衣服上，应该比衣纹细小琐碎，要勾得含蓄，也要有实有虚，这样的花纹才显得生动，忌特别的平均。
3.4 尊重材料的特点，突出材料的优势
刚开始用绢和石色作画时，学生很难关注到材料的特点，很难把材料的优势发挥出来。
石色的美是化学品无法比拟的，虽然使用麻烦，但在绘画的运用中极其广泛。石色有厚度，覆盖力强，而绢是一种特别通透的材料，如何恰如其分地体现出两种材料的优点是个技术活。涂得太厚的色让画面看起来堵；
只罩薄薄的颜色画面又显得薄气。要想既能体现石色的厚度又不掩盖绢的通透，需要考虑在绢的正反面配合作画的技法：正薄反厚，画面显得既滋润又厚实。
石色平涂有个缺点：容易板。为了使它活起来，需要用水色打底。清代沈宗骞《芥舟学画编》中有言：“金石是板色，草木是活色，用金石必以草木点活之，则草木得以金石而久，金石得以借草木而活。[2]”
作为国画的必备材料，墨的讲究也特别多：油烟、松烟、漆烟；
各个时代的墨块；
墨块与墨汁，各有特点和用处，也各有用法。“画头发用松烟，以“小儿病夫”的力气慢慢磨一两个小时，墨汁才足够浓稠。[3]”这是罗寒蕾在画头发时的用墨讲究。几乎每一个有成就的画家，都有一种对材料使用的偏执。
工笔画的学习过程是一个修炼的过程，表面看是在练习技法，实际上是在修炼人生境界，什么样的态度收获什么样的结果：安静、单纯、虔诚而自然的状态，才能很好地进入艺术的境界。
古画临摹能解决工笔画学习的大部分技巧问题，提高艺术品位，建立起对工笔画格调的判断能力。还能练就静心细心的习惯和能力，是进入工笔画领域的必经之路。■
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